Cultura
Picasso 1906. La gran transformación en Museo Reina Sofia
Con motivo de la conmemoración del 50º aniversario de la muerte de Picasso, el Museo Reina Sofía ha organizado, con el apoyo excepcional del Musée Picasso Paris, Picasso 1906. La gran transformación, que cierra el programa oficial de exposiciones internacionales de esta celebración y que plantea renovar importantes criterios sobre el papel clave que jugó el artista en la creación del arte moderno.
Es habitual considerar que la contribución de Pablo Picasso (1881-1973) en ese hito fue pintar Las señoritas de Avignon en 1907. Sin embargo, actualmente puede pensarse que esta obra fue el punto de llegada, y el estallido final, de todo un complejo proceso desarrollado a lo largo del año 1906 y finales de febrero o principios de marzo de 1907. Un periodo durante el cual, la actividad creativa del artista tuvo tres escenarios: París, Gósol –localidad del pirineo leridano– y, de nuevo, París
La producción de Picasso en esa época concreta ha sido entendida hasta ahora como un epílogo del período rosa o como un prólogo a la obra citada anteriormente. Nada más lejos. 1906 no es un año más en la trayectoria del artista. Es un momento artísticamente significativo -no reconocido hasta hoy como tal- en el que las experimentaciones del malagueño abren su obra hacia otros lenguajes. Como indica en el catálogo que acompaña la exposición el comisario Eugenio Carmona, se trata de “la primera aportación de Picasso a la noción plena de arte moderno”.
Durante esta etapa, por ejemplo, el artista transformó -aunque con antecedentes en algunas obras hechas desde 1904- el concepto académico de «desnudo» y convirtió el cuerpo en un lugar de experimentación lingüística y cultural en el que introdujo la sensualidad, siendo especialmente relevante el papel que otorgó al desnudo masculino. Ello abrió las puertas también a la presencia performativa de género.
Otro rasgo distintivo de este Picasso es su sentido de la transculturalidad, que emana de su biografía y la formación de su personalidad. El joven Picasso de entonces es un andaluz emigrado en Barcelona que viaja a París desde 1900. Cuando regresa a Barcelona en 1906, trae consigo todo un bagaje de transformadoras relaciones y vivencias en el ambiente bohemio de la vanguardia en la capital francesa, en el que ha tenido la oportunidad de relacionarse con importantes creadores coetáneos y con marchantes y coleccionistas, siendo transcendental el papel de Gertrude Stein-. Ello fue decisivo en su propia definición como artista, en la que también influyó su interés por la fotografía homoerótica o la etnológica y las reproducciones en revistas de masas así como por el pensamiento libertario o anarquista.
En esos momentos practica además una relectura de la Historia del Arte a través de sus diálogos con El Greco, Corot y Cézanne, y mediante la apropiación del arte antiguo con el uso de referentes culturales primigenios, «primitivistas» e incluso no europeos (arcaico griego, egipcio, etrusco, íbero, románico catalán, mesopotámico, polinesio…). Ya por entonces conocía también y asimilaba el llamado «arte negre», antes de su famosa visita al museo del Trocadero en 1907.
En este sentido, a lo largo del recorrido de la exposición, compuesto por 8 salas, las obras de Picasso se muestran junto a piezas procedentes de diferentes periodos de la cultura europea y africana similares a las que el artista pudo ver en su momento para establecer correspondencias, citas, apropiaciones o diálogos tanto formales como intelectuales. La presencia de estas obras permite vislumbrar de forma muy didáctica la complejidad de los procesos culturales y creativos experimentados por Picasso en 1906.
Para ello, la muestra reúne de forma excepcional para la ocasión más de 120 obras procedentes de colecciones privadas e importantes instituciones como, entre otros, el MoMA, el MET y el Guggenheim de Nueva York; los museos estadounidenses de Arte de Baltimore, Cleveland, Philadelphia, Boston, Dallas o Chicago; del Museo Picasso, el Louvre y el Pompidou de Paris; y ya en España del Arqueológico Nacional, del Prado y de los museos Picasso de Barcelona y Málaga.
Los desnudos en Picasso
El recorrido de la muestra comienza con una sala dedicada al cuerpo. El desnudo estuvo presente en la obra de Picasso desde el principio. De hecho, ya había realizado 580 piezas con esta temática entre 1890 y 1906. Pero en 1906 se produce un importante cambio. Compuso unos 450 desnudos femeninos y masculino y si antes lo hacía en papel, cartón, acuarelas y guaches, en este año se concentra en el papel y salta a las obras de gran formato en óleo.
Antes de 1906 Picasso había prestado atención al desnudo desde la perspectiva de la tradición artística heredada. Sin embargo, será en 1906 cuando emerja en su práctica la idea de «cuerpo en representación», un concepto que le servirá para erigir su propia poética en la relación entre cuerpo y cultura.
Pero en esta primera sala, el público puede contemplar obras previas al periodo de referencia y comprobar que las especulaciones formales con el cuerpo y las escenas eróticas empezaron a aparecer hacia 1899.
También podrán ver cómo, ya entrado en siglo XX, la obra de Picasso es más explícita en cuanto a la sexualidad de los cuerpos, comenzando a pintar autorretratos suyos desnudo o escenas cotidianas de intimidad femenina que adoptan el cuerpo de arlequines y saltimbanquis
Un ejemplo de todo ello es Desnudo sentado (1905), que resume el recorrido por el desnudo y el cuerpo del joven Picasso anterior a 1906 y donde se aprecia que el artista inicia el diálogo entre fondo y figura, haciendo del non finito un valor de enorme plasticidad. Por su parte, los 15 grabados Suite de los saltimbanquis, realizados entre 1904 y principios de 1906, muestran la visión del cuerpo femenino en la intimidad, parejas de púberes o la relación entre jóvenes y caballos, motivos que serán recurrentes en la iconografía picassiana a partir de ahora.
A continuación, en una segunda sala, el espectador se encuentra con desnudos de niños y adolescentes, ya sea en la naturaleza o en escenas de interior, que van anunciando la transformación que se avecina. Es el caso, por ejemplo, de Los dos hermanos o Los adolescentes, ambas de 1906. En estas obras, a la vez que se percibe un diálogo con Cézanne y El Greco -artistas presentes en este espacio con una litografía y un óleo- se atisba el interés de Picasso por lo «primitivo» y «arcaico» así como por la fotografía homoerótica y «etnográfica» de la época, que queda ilustrado con dos esculturas romanas de efebos y algunas fotos etnográficas que el público puede ver en una vitrina.
Se trata en definitiva de trabajos donde el artista erotizó los cuerpos masculinos, moldeando los femeninos con una soltura que desdibuja lo convencionalmente «masculino» y «femenino». Esta fluidez entre géneros se debe a la utilización por parte de Picasso de modelos femeninos de la historia de la pintura para la formalización de cuerpos masculinos.
En otra obra, Mujer peinándose (1906), Picasso, además de anticipar el expresionismo abstracto en la parte interior del cuadro, la figura mezcla las referencias a la mitología y a Venus con el rostro máscara relacionado con lo primitivo.
Más adelante, junto El baño de Diana (La Fuente) (1869-70) de Jean-Baptiste-Camille Corot, se muestran obras donde las figuras de mujeres jóvenes de Picasso aluden nuevamente a diosas y figuras mitológicas de la Antigüedad tratando de fusionar lo cotidiano y lo divino. Y es que se sabe que Picasso poseyó alguna obra de Corot, quien asoció a la diosa Venus con la imagen de una mujer de su tiempo, algo que recuperó el malagueño en su trabajo.
Una pieza interesante ubicada en este mismo espacio es El harén (1906), realizada ya por Picasso en Gósol. Se trata de una obra que puede prestarse a ciertos presupuestos críticos debido tanto a su título -atribuido al crítico de arte Christian Zervos- o a que algunos entendidos han considerado que está inspirada en El baño turco (1862) de Dominique Ingres y a que se le ha dado la condición de precedente de Las señoritas de Avignon. Sin embargo, lo único que hace Picasso es asimilar el dibujo en arabesco de Ingres y el lenguaje plástico empleado es completamente distinto al de las Señoritas. Se trata en todo caso de un óleo cuyos motivos tienen pocos paralelismos en la pintura europea del momento.
Lo vernacular y el icono Fernande
La cuarta sala del recorrido está dedicada enteramente a obras realizadas en Gósol – donde residió Picasso entre finales de mayo y mediados de agosto de1906- en las que el artista añade el componente vernáculo del lugar con la inclusión de aldeanas y aldeanos pirenaicos que irradian sosiego, como ocurre con La mujer de los panes.
Pese a ser pinturas de temática campesina que tienden a ser narrativas, Picasso ya está
sondeando en ellas nuevos valores plásticos. Algunos de sus paisajes sugieren, por ejemplo, un temprano acercamiento a las formas cúbicas y determinadas figuras de aldeanas resultan de una combinación de formas entre figurativas y abstractas. Picasso ensaya la representación del rostro como máscara, un indicador revelador del interés del artista por lo «primitivo» y de la influencia que tendrán en la obra de Picasso las sugerencias morfológicas del románico catalán. Todo ello resonará en su trabajo posterior en París.
La quinta zona de la exposición está dedicada a un icono tipo de desnudo femenino que Picasso desarrolló en 1906 y que la crítica ha identificado con «Fernande», su compañera desde agosto de 1904 hasta 1912. La relación entre ella y Picasso fue compleja, ya que, a pesar de sus convicciones libertarias, el artista siguió aferrado a esquemas heteropatriarcales.
Fernande Olivier, cuyo verdadero nombre era Amelie Lang, impartía clases de francés a los amigos americanos de la pareja. Se llevaba muy bien con Max Jacob, Apollinaire y Gertrude Stein, especialmente con esta última.
El artista consideraba la fisonomía de Fernande un significante sobre el que elaborar distintos significados que le permitían trabajar con diversos lenguajes plásticos y personajes. Por ejemplo, Picasso relacionó a Fernande con la vernacularidad de Gósol, pintándola como campesina en Fernande con pañuelo y también incorporó en su rostro la máscara. En las esculturas inspiradas en ella experimentó con la desmaterialización de la forma y con el empleo del volumen nítido simplificado, abriendo paso a las primeras esculturas plenamente «primitivistas».
El Ministerio de Cultura ha adquirido la denominada Casa
Gomis, ubicada en el término municipal de El Prat de Llobregat (Barcelona),
por un importe de 7.249.077,26 euros. Se trata de una vivienda de gran valor
histórico-artístico, pieza clave en la historia de la arquitectura racionalista del
siglo XX en Catalunya, ubicada en primera línea de costa dentro del paraje
natural de La Ricarda, en el Delta del Llobregat, un entorno de alto valor
ecológico protegido por la Unión Europea.
Según el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, «este tesoro de la arquitectura
racionalista del siglo XX formará parte, a partir de hoy, del patrimonio público
con el objetivo de protegerlo, conservarlo y convertirlo en un gran centro
cultural 100% abierto al público».
Así lo ha anunciado hoy en una rueda de prensa, celebrada en la Casa Gomis,
junto a miembros de la familia Gomis Bertrand, propietarios de la casa, y
acompañado por la consejera de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Sònia
Hernàndez, y el alcalde de El Prat de Llobregat, Lluís Mijoler, «dos instituciones
íntimamente ligadas a la historia y a la protección de este inmueble con las
que queremos colaborar de cara al uso y la gestión de la Casa Gomis», ha
subrayado.
Según ha avanzado el ministro, «nuestra intención es que la temática de este
nuevo Centro Cultural Casa Gomis gire en torno al diálogo entre arte y naturaleza, pues la Casa Gomis es uno de los grandes ejemplos
arquitectónicos que tenemos en Cataluña de simbiosis perfecta con el entorno
natural».
En este sentido, Urtasun ha explicado que «de la misma manera que la Casa
Gomis fue un espacio para los debates de vanguardia en los años 60, ahora
en 2025 queremos ponerla también al servicio del gran debate de vanguardia
que existe actualmente, que es el de la relación entre arte y clima».
Valores históricos y artísticos
Con la compra de este inmueble, el Ministerio de Cultura garantiza la
preservación de los valores históricos y artísticos del conjunto y su
mantenimiento. Hasta ahora la casa se podía visitar de manera puntual y
recientemente ha formado parte de la oferta cultural de Manifesta 15, la bienal
europea de arte nómada que este 2024 se celebró en Barcelona y su área
metropolitana. Tras su adquisición, el espacio se convertirá en un centro
cultural abierto a toda la ciudadanía, en el que se celebrarán encuentros y
visitas guiadas, entre otras actividades. Además, se trabajará para que tenga
un papel destacado en la programación de Barcelona como Capital Mundial de
la Arquitectura en 2026 y en el Congreso Mundial de Arquitectura de la Unión
Internacional de Arquitectos (UIA), que también acogerá Barcelona el año
próximo.
La Casa Gomis es un claro ejemplo de adaptación de un concepto
arquitectónico abstracto a un lugar y un paisaje muy concreto. La simbiosis de
la casa y el entorno se desarrolla a través de una construcción de una sola
planta bajo la copa de los pinos. La transición entre el paisaje natural del resto
de la finca y la zona central apropiada por la casa se consigue mediante una
gran plataforma horizontal que acoge el jardín, tratado con gran sobriedad
mediante pradera de césped, caminos y áreas pavimentadas de líneas
ortogonales que prolongan la estructura de la edificación y un estanque piscina
que refleja su imagen.
Otra de las singularidades es que, tras seis décadas de uso, el edificio se
mantiene prácticamente intacto, conservando sus características originales,
habiendo sido objeto de una cuidadosa restauración de las cubiertas y la
carpintería exterior en 1997. Conserva también su mobiliario, diseñado en gran
medida por el propio arquitecto, que está incluido en el expediente de
declaración como parte de su historia.
La vivienda fue un proyecto del arquitecto barcelonés Antoni Bonet Castellana
para el matrimonio formado por Ricardo Gomis e Inés Bertrand entre 1949 y
1956 y fue construida entre 1957 y 1963.
Además, fue declarada Bien Cultural de Interés Nacional (BCIN) en la
categoría de Monumento Histórico por la Generalitat de Cataluña el 23 de
marzo de 2021, la figura de más alta protección en el ordenamiento vigente en
materia de patrimonio histórico en Cataluña.
Insigne escritor, persona cultísima y promotor de numerosas actividades culturales de manera absolutamente altruista, Rivera es un defensor de la cultura popular y de las tradiciones de San Sebastián de los Reyes por el mundo entero. Desde hace más de 40 años es el cohetero de los encierros de las fiestas en honor al Santísimo Cristo de los Remedios y, desde 2018, es Hijo Adoptivo de San Sebastián de los Reyes. Es también el autor del ‘Qué pena me da’, que desde 1996 sirve para poner fin a las fiestas en honor al Santísimo Cristo de los Remedios.
En resumen, ha dedicado toda su vida -de manera desinteresada y altruista- a defender la cultura y las tradiciones de San Sebastián de los Reyes. Un ejemplo de honradez y honestidad para toda la ciudadanía.
La programación de Cineteca Madrid, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se adentra durante el mes de enero en la relación entre cine y arquitectura. En el marco de este eje principal, una serie de ciclos, retrospectivas, documentales y estrenos explorarán la forma en que los espacios construidos cobran vida en la pantalla.
Synecdoche, New York (EE. UU., 2008)
El programa se complementa con las clases magistrales de los cineastas Natalia Marín y Elías León Siminiani, en torno a las proyecciones de sus películas más destacadas.
Además, este mes destaca por su amplia variedad de propuestas, desde reflexiones sobre el paisaje urbano, hasta la animación japonesa, pasando por el cine experimental, estrenos de cine español independiente, kaiju o manga adaptado a la gran pantalla.
The Dawn of Kaiju Eiga (España, 2019)
El poder narrativo del espacio: cine y arquitectura
A través de una selección de películas que exploran desde paisajes urbanos hasta lugares íntimos, el programa Cine y arquitectura propone una mirada sobre el espacio construido y su relación con quienes lo habitan, mostrando cómo el cine ha capturado, interpretado y transformado los entornos arquitectónicos, y cómo reflejan, tensionan o incluso desafían las ideas y dinámicas sociales de su tiempo.
Entre las películas que se proyectarán del 7 al 29 de enero destacan Las horas del verano (Olivier Assayas, Francia, 2008), donde una casa familiar se convierte en el núcleo de los recuerdos compartidos y las decisiones sobre el futuro, y Goodbye, Dragon Inn (Tsai Ming-Liang, Taiwán, 2003), que captura la melancolía de un cine a punto de desaparecer. Asimismo, El reportero (Michelangelo Antonioni, Italia-Francia-España, 1975) muestra cómo la arquitectura puede convertirse en un reflejo del aislamiento y la búsqueda de identidad. La programación se completa con títulos como La Sapienza (Eugène Green, Italia-Francia, 2014) y Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, EE. UU., 2008), que ofrecen una mirada poética y compleja sobre los espacios que habitamos.
Encuentros con cineastas
Los creadores Elías León Siminiani y Natalia Marín reflexionarán el 23 y el 30 de enero en sendas clases magistrales sobre cómo la arquitectura inspira y transforma sus procesos creativos. Estos espacios de encuentro invitarán al público a explorar la confluencia entre la disciplina arquitectónica y la narrativa cinematográfica.
La Concejalía de Cultura ha presentado la programación del Auditorio ‘Villa de Colmenar Viejo’ para el primer semestre de 2025, con una agenda que se inicia el 25 de enero y se alarga hasta finales de mayo, y que incluye 24 funciones, de las cuales ocho están enfocadas al público familiar.
“En esta nueva temporada podremos ver sobre las tablas del Auditorio a actrices y actores tan conocidos como Lolita Flores, Carolina Yuste, María León, Fernando Tejero, Ana Fernández, Fernando Albizu o Rosario Pardo, que representarán obras como ‘Poncia’, ‘Caperucita en Manhattan’, ‘Casa de Muñecas’, ‘Camino al zoo’, ‘Carmen, nada de nadie’, ‘Goteras’ o ‘Las que gritan’, entre otras.
También reiremos con el actor gallero Luis Zahera y su humor ‘chungo’. Tendremos un sorprendente, respetuoso y divertido show de hipnosis real, donde la participación es voluntaria. La música y la danza están muy presentes en la programación con ópera, copla, jazz fusión, conciertos, la XXI edición del Festival ‘Maestro José Guillén’ y la II Gala por el Día Internacional de la Danza. Y también habrá espectáculos de teatro, circo y magia para toda la familia”, explica Rocío Cámara Pellón, concejal de Cultura.
Descarga la programación completa: Primer semestre 2025 – Auditorio ‘Villa de Colmenar Viejo’.
- Esta cita benéfica de la programación navideña del Ayuntamiento destina toda la recaudación a la Fundación Pequeño Deseo
La cantante Clara Montes ha sido la destacada voz que ha protagonizado este 5 de enero el tradicional Concierto de Reyes en el Teatro Real de Madrid, acompañada por la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, dirigida por el maestro Jan Cober.
La artista, entre canciones populares, toques de copla y poesía, junto a villancicos tradicionales y recuerdos familiares, ha derramado todo su talento y pasión sobre el escenario, haciendo las delicias de los espectadores y ofreciendo la banda sonora perfecta para un día tan especial como el de la cabalgata de Reyes.
Este concierto, que agotó rápidamente sus entradas tras ponerse a la venta a mediados de diciembre, ha tenido un carácter benéfico, destinando toda su recaudación a la Fundación Pequeño Deseo, que hace realidad los deseos de niños enfermos. /
El Ministerio de Cultura ha abierto el proceso de
designación de la Capital Europea de la Cultura 2031. Según establece la
orden ministerial publicada hoy en el BOE, da comienzo la fase de
preselección, en la que los municipios aspirantes tendrán doce meses de plazo
para presentar sus candidaturas. La iniciativa, impulsada desde 1985 por la
Unión Europea, se trasladará por quinta vez a España, tras la elección en
pasadas ediciones de Madrid (1992), Santiago de Compostela (2000),
Salamanca (2002) y San Sebastián (2016).
A la convocatoria podrán aspirar todos aquellos municipios españoles que
quieran ejercer el derecho a ser designados con el título de Capital Europea de
la Cultura para el año 2031. Las solicitudes deberán basarse en un programa
cultural con una fuerte dimensión europea, con una duración correspondiente
con el año establecido, 2031, y se elaborará específicamente para el título, de
conformidad con los criterios establecidos en la normativa.
La ciudad designada por parte de España procurará establecer vínculos entre
su programa cultural con la ciudad designada por parte de Malta, país que
también designará Capital Europea de la Cultura en 2031.
Premio Melina Mercuri
La orden ministerial también incluye las bases del Premio Melina Mercouri al
que, con una dotación de 1,5 millones de euros, podrá aspirar la ciudad
finalmente designada. El galardón, financiado con cargo programa de la Unión
Europea de apoyo a la cultura, siguiendo el artículo 14 de la Decisión
445/2014/UE, rinde homenaje a la exministra de Cultura de Grecia que da
nombre al galardón, impulsora de la iniciativa.
Encuentros de cine y arquitectura durante enero en Cineteca Madrid
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